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31 de octubre de 2014

Andivero. El día que los cielos se abrieron.


Antonio Andivero, pintor y escultor uruguayo de Montevideo.
Uno de los máximos exponentes de la pintura que representa la intemporalidad del Universo. 
¿Será verdad aquello que de él dijo un critico? que a través de su obra el Cosmos se mira el ombligo...

Los temas de los enigmas planetarios y la cosmografía determinan su creación. Un universo intemporal, con referencias al pasado, al presente y a un futuro fabulado, que integra en su obra visiones bíblicas junto a ciencia ficción.
Una cosmología amable y seductora en la que está ausente todo elemento inquietante. Su mundo de ficción es acogedor y agradable. 
"Por el camino de la belleza el hombre ha de encontrar la paz interior",

Formalmente su visión terrestre y celeste está trasmitida con transparencias, sutiles esfumados, efectos de tersura, gofrados, rayados, evanescencias cromáticas. La factura impecable de sus grabados tiene un preciosismo expresivo que se adecua al tenue lirismo de las imágenes.
El dibujo es la escritura de su lenguaje. Dibujo poseído, en trance, transportado a un mundo de felicidad, lleno de gracia, lleno de asombro, sostiene el artista.








18 de febrero de 2012

Brandenburgos a la vista. PFP, expone en La Rioja


El siguiente entrecomillado es de Barbebleu
"Admiro a los Artistas porque quieren y saben crear; porque son dioses menores. Son dioses porque crean, y son menores porque no crean desde la Nada. Y no crean espacios, tiempos o similares; ellos crean emociones, sentimientos, espejismos de la cabeza, el corazón o las tripas, que de todo hay, y cada momento tiene su afán y necesidad. Incluso existen aquellos que amalgaman sensaciones contrapuestas para dejarnos en ebriedad fisiológica…

Y si son dioses porque crean, y son menores porque crean desde el Algo, mayor asombro produce crear desde el Todo. Acercarse creativamente a un Absoluto, JOHANN SEBASTIAN BACH, requiere talento creativo, es evidente, pero también arrojo y determinación, y si me permiten, ese punto exacto de locura que espejea en el artista.  Y esto es lo que nos aporta PFP al entrar a saco en la obra bachiana, descubriendo su perfecta arquitectura interior, desentrañando la eficaz simplicidad de su complejo genoma.

Como el Todo engloba infinitud y éste es un concepto que nuestra limitada mente no procesa, es preciso operar por partes, mucho más manejables. Y nada más atractivo que hacerlo con una porción ennoblecida: los Seis Conciertos de Brandemburgo, según la denominación de Spitta de 1880, o Seis Conciertos para  Diversos Instrumentos dedicados al Margrave Christian Ludwig de Brandemburgo, Elector de Sajonia.
En la estructura orgánica de las maderas de la artista reconocemos la superestructura cósmica del compositor, inasible y cercana a la vez; como un ser humano. Las texturas nos revelan la complejidad armónica y polifónica de la genial composición, el horror vacui de sus afectos, el clímax simbólico.

El color puro, en nebulosa, de las láminas satisface la vitalidad de la partitura en la misma disecciónde los secretos de los pentagramas, cuajados de notas como estrellas, donde apenas cabe el silencio ni la materia oscura; incluso la persecución propia de la fuga puede observarse en las distintas hojas con tan solo un ligero movimiento de cuello…


También la disposición, pura aritmética de la geometría, una divina proporción, nos permite percibir la afinidad selectiva entre ambos artistas; complementariedad con propiedades emergentes, pues la sensación óptica aporta nuevos brillos al sentido acústico. Así, a izquierda o derecha, adelante o atrás, de alguna manera todos nos sentimos Margraves de la Visión, ventana del alma.

Disfruten del  proceso creativo desde el Todo, con la vista puesta en Brandenburgo... y más allá, mucho más allá."


Pilar Fernández-Pinedo Armendáriz, es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y miembro de la Real Asociación Amigos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 
Visión Mundi es la ONG que apuesta por la cooperación al desarrollo, informando y creando conciencia social luchar contra la ceguera de las personas más desfavorecidas, especialmente en los países más pobres y en vías de desarrollo, como medio para contribuir a un mundo más justo y solidario.

Por ello, su prioridad es la formación de las personas de los países en que trabaja, a través de becas y centros de enseñanza. Visión Mundi está formando equipos multidisciplinarios de profesionales locales (oftalmólogos, ópticos, enfermeras, personal paramédico, economistas, logistas, asistentes sociales), que trabajen de manera coordinada en la lucha contra la ceguera y que luego, a su vez, formen a otros que permitan la continuidad de los proyectos.
Este proyecto, aunque más lento y costoso, es a la larga más eficaz que el envío puntual de equipos desde España a hacer cirugías o poner gafas.


Sala de exposiciones IberCaja.
San Antón Nº 3. Logroño.
17 Febrero- 2 de Marzo de 2012

Los fondos obtenidos con la exposición Brandenburgo a la Vista, van a ser empleados para que dos médicos africanas becadas por Fundación Visión Mundi puedan continuar su especialidad como oftalmólogas.

21 de enero de 2012

Las bandadas de plástico de Lola Calzada


La Sala de Exposiciones del Centro Cultural de Mislata expone desde el pasado martes 17 de enero, la exposición de Lola Calzada, que con el título "Plastic Flying Beauty", recrea la interrelación entre la materia condenada al desecho y posterior transformación, y la vida como una explosión de color y movimiento.

La obra, expresa la tangencialidad entre los movimientos migratorios de las aves y la presencia global de las señas de identidad de las firmas comerciales.
Fotografías de bandadas de pájaros, tomadas por Lola en el  parque natural de la Albufera, sirven de referencia para una laboriosa recreación, en la que garzas, gaviotas y patos confeccionados con trozos de bolsas de plástico de  establecimientos comerciales.


"El tejido se manifiesta como una forma de hacer casera, femenina, cercana como la bolsa de la compra, después con este tejido confecciono mis aves de plástico que dispongo sobre un plano formando bandas"


En un guiño muy correcto, Lola introduce la transición de este trabajo con su reciente obra, y a los paisajes de boababs, solitarios, contundentes, elevando su austeridad hacia un cielo gris y anodino, le explotan en un equilibrado ejercicio de color y composición los "ires y venires" de sus bandadas de pequeños pájaros de plástico de colores.


Fotos del catálogo editado por el Ayuntamiento de Mislata

12 de junio de 2011

Héroes de cabecera. Keith Haring (XXI)

Haring tenía aire de pajarito asustado. Tímido y audaz, escondía detrás de sus gafotas redondas un magnífico artista multimedia.
Un día yendo en el metro, vi un panel vacío, subí a la calle y compré una caja de tizas blancas, volví e hice un dibujo en el panel”.
La tiza se deslizaba con facilidad sobre la pizarra negra, dejando muestras de su arte en el subterráneo entre la Quinta y la Sexta.
Keith Haring, conquistó New York sin pasar por las galerías de Arte.

Pintó niños radiantes, serpientes, corazones, átomos, mujeres embarazadas, estrellas, ordenadores y Manhattan se rindió a sus pies. Atípico e imaginativo logró con sus dibujos, reflejar los acontecimientos que sacudían una sociedad que enloquecía con la música de los Sex Pistols o Iggy Pop. Nació en el 1958 en Reading, una pequeña población de Pensilvania y se consideraba un producto de la era espacial. No tardó en coquetear con el movimiento hippy, aficionarse al alcohol y las drogas y se convirtió en el numero 1 de los seguidores de Grateful Dead, acompañándoles en sus giras y subsistiendo vendiendo en sus conciertos camisetas que el mismo diseñaba y estampaba.


A los 20 años descubre el arte abstracto, estudia obsesivamente la obra de Pollock y Schnabel, interesándose por los graffitis rotulados con aerosoles en las paredes del Soho y las tapias y vagones del metro. Ángel Ortiz, famoso graffiero, descubre e invita a Haring a pintar estatuas de yeso de Miguel Ángel, llenándolas de arabescos  y colores fluorescentes. A partir de este momento su travesura se convierte en un trabajo reconocido internacionalmente.
Los medios son su principal fuente de inspiración. Ha visto a los jóvenes oponerse a la guerra del Vietnam, ha visto las muertes de Kennedy y Hendrix. Su vocabulario es la imagen, inventa una vida paralela a través de sus caricaturas y las llena de colores y de paso pinta más de 30 metros del muro de Berlín. "El arte debería liberar el alma, excitar la imaginación, animar a la gente a a ser mejor e ir más lejos" y acuña el tema: ”Cubriremos la tierra”.


Haring, tenía el aire de un pajarito, como los que hay por las calles de cualquier ciudad, nunca molestan, cantan regular, respiran del tubo de escape de los coches y cuando mueren, los coches no los echa de menos.
El 16 de febrero de 1990, a punto de cumplir los 32 años, murió victima del Sida. 






23 de febrero de 2010

Héroes de Cabecera. Fornasetti (XV)

Era inevitable que más tarde o más temprano, Piero Fornasetti, encontrase un hueco en esta serie de “Héroes de Cabecera”. Tal vez el menos consagrado de todos y tal vez también, el menos héroe, pero sin embargo uno de los míos, más próximo, más de andar por casa, por decirlo de una forma coloquial. Sus diseños para cerámica los he proyectado en múltiples ocasiones, he tomado café en sus tazas, he comido en sus platos, alguna vez me he protegido de la lluvia con sus paraguas y sobre todo, la mayoría de mis corbatas las he comprado en su tienda de Milán.
Piero Fornasetti, milanés de nacimiento, fue famoso por su singular e imaginativa pintura, su gran fantasía como diseñador de producto y su elegante y místico sentido del humor en la concepción de todos los detalles que configuran su extensa Obra.
Ha diseñado una amplia variedad de productos, popularizando corbatas, fulares, chalecos, paraguas, etc. diversos artículos para el hogar como porcelanas, lámparas, mobiliario, etc. todo ello de inspiración multicultural, desde la más común a la más exótica, pero siempre con una imaginación llena de fantasía.
El rostro de la soprano Lina Cavalieri, quedó impreso en porcelanas, lámparas y muebles, con tantas versiones que hizo de su cara que hubo que recogerlas en una colección que la llamó “Temas y Variaciones” Sus famosos soles y lunas con rostros humanos nos acompañan en el ejercicio de lo cotidiano recordándonos en un recurrente blanco y negro, que su inspiración era prácticamente ilimitada.
En el 45 de Via Alessandro Manzoni, se esconde un palacio con un patio interior que ya lo hubiera querido Visconti para alguno de sus exquisitos decorados, en el interior está el pequeño imperio Fornasetti, en él vivía y creaba su particular iconografía de soles y lunas con el amable y bello rostro de la Cavalieri que acabó convirtiéndose en una amplia colección de platos con más de 350 versiones de la misma idea.
El amplio legado de Fornasetti obliga a suspender cada año la reedición de determinados artículos para dar paso a otros. El proceso de creación sigue siendo el mismo (hecho y pintado a mano) y la única modernización ha sido el proceso de impresión. En su Obra se perfila un estilo único, elegante, al margen de corrientes de moda coetáneas, personalizando ese carácter inquieto del artista sin concesiones, libre, caprichoso que adelantándose a su tiempo a conseguido perpetuar su trabajo, como si de un juego de Dioses se tratara.



26 de diciembre de 2009

Lola Calzada


A veces me recreo en mostrar mi incondicionalidad sobre algunos personajes que yo defino como “Héroes de cabecera” Referencias universales de la pintura, escultura, música, cine o literatura.

Hoy, no es de ninguna de estas vacas sagradas de las voy a dar, como siempre, unos ligeros apuntes de su personalidad, su obra o circunstancias, hoy pongo los pies en el suelo y con el mismo respeto y admiración voy a presentaros a Lola Calzada, pintora valenciana, licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos y Doctorada y Proyectos de Pintura por la Universidad Politécnica de Valencia.

Lola es el 50 % de Art Unlocated y el 100% de Lola, su Pintura forma un universo personal de fuertes contrastes, donde se nos ofrecen mezcladas la imagen y el concepto, un tribal “collage” en dos tímidas dimensiones con participación de códigos diferentes, el mensaje y su instrumento.
Lola escarba en sus clases de primaria y recupera el lápiz y le ordena perfilar, fondear o delimitar como una parte más de ese desfile de estrategias en las que texto e imágenes conviven, no porque coincidan accidentalmente, sino por que son partículas gráficas de un todo que transgrede lo convencional.


En su repertorio de modelos se manifiestan siluetas de mujer que son todas ellas y ninguna, rostros sin grafíar, pero llenos de intención y paisajes de colegio, mágicos y enigmáticos que acentúan el misterio del lienzo.


Sólo por que me recuerda algo a Robert Rauschenber, diría que es una hija pequeña del Pop Art y citando a Román de la Calle añadiría que: “Lola, se aproxima a ese Universo personal y social con un lenguaje básico de publicaciones dispares, desde el que ha querido arrancar de él la lectura de sus últimos trabajos, acaparando distintos niveles de lectura, permaneciendo exclusivamente prendidos a la superficie visual, atractivamente compensada, equilibradamente concebida y formalmente cuidada”

12 de diciembre de 2009

Héroes de cabecera. Jackson Pollock (XIII)

Desde que vi la película, la imagen que me ha quedado de Pollock, es la de Ed Harris, con su gesto irritable, permanentemente enfadado e inmerso en ese mundo interior tan complejo de las personas en constante lucha consigo mismo y con todo lo que le rodea.

Harris descubrió la existencia de Pollock a través de una biografía que le dio su padre, tal vez porque físicamente se parecían o quizá porque los dos tuvieron problemas con el alcohol o que ambos procedían del medio este norteamericano, lo cierto es que Ed Harris terminó dirigiendo y protagonizando la difícil vida del más destacado pintor estadounidense, que hizo del expresionismo abstracto un forma de perseguir su paz y su propia manera de expresarse.

Pollock, era un artista sin límites, no los mostraba ni en su euforia, ni en su arrogancia, ni tan siquiera en su debilidad.
Cuando pintaba extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella, derramando o goteando la pintura de manera mágica y genial, en un gesto en el que participaba todo su cuerpo y así se convirtió en el principal representante de la primera vanguardia estadounidense y el paradigma del artista heroico: por su concepción de la pintura y también por su vida turbulenta..

Sus primeras obras, de estilo naturalista, representan escenas reales, pero no tardó en adoptar un estilo más libre y abstracto, distanciándose del arte figurativo y desarrollando técnicas como el splashing o el dripping, consistentes en lanzar pintura al lienzo o dejarla gotear encima de este, sin utilizar dibujos ni bocetos, “Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otras materias” de esta forma lo que plasma en la tela no es una imagen sino, un hecho, una acción.

Hasta entonces los elementos línea y color permitían definir el espacio del cuadro figurativo o abstracto haciendo una diferenciación entre forma y contorno. En Pollock el lienzo es una gran red de chorreados en los que la línea es al mismo tiempo el color y viceversa.
Este chorreado ocupa el espacio entero del cuadro llegando a sus límites pero nunca sobrepasándolos.

Su gesto pictórico es enérgico, pura expresión fruto del desasosiego existencial, emanando una intensa energía y desazón que trasmite al espectador, quizás a Pollock sea el artista del que se han tomado más imágenes trabajando en su taller. Estos documentos son un material importantísimo para él, ellos descifran cual es ese referente de su obra que el observador ha de recoger. Parece que el pintor tuviese claro que frente al simple muro de pintura no era evidente que ésta partía de un acto ritual.
Muere con apenas cuarenta años en un accidente de coche, conduciendo el mismo modelo con el que también se estrellaría James Dean, en circunstancias que no aclaran si se trató de un suicidio.


Fuente: David G. Torres

23 de junio de 2009

...Mi Dalí particular. (Lluis Llongueras)



Mucho se ha escrito sobre el Genial pintor de Figueras, pero existe una relación poco conocida de éste con el peluquero catalán Lluis Llongueras de la que alguna malicia se puede contar, aunque sea a grandes rasgos: 
Todo empezó, un 24 de Septiembre de 1.961, día de la Merced cuando Dalí, acudió a la inauguración de la peluquería que Llongueras abría en la Av. General Goded (hoy, Pau Casals) en Barcelona.
Confiesa Llongueras, que antes de conocer a Dalí, su obra ya le fascinaba y su obsesión por descubrir el trabajo del pintor le acuciaba en extremo, esa tarde, Dalí le pidió un martillo con el fin de dejar su marca rompiendo una luna del escaparate de 3x2’5, a lo que el estilista se negó, argumentando que todavía las debía al cristalero, ésta a sido una decisión, que ha lamentado hasta el día de hoy, sin embargo, si le hizo caso, colocando como tirador de la puerta de entrada una caracola marina de considerable tamaño (16 x 20 cm.) que le había traído de Port Lligat y que los pescadores solían sacar de las redes.


En la primavera de ese año, en New York, Dalí decide cortarse sus bigotes en público, para ello había imaginado un Show en el que acabaría cortándoselos delante de las cámaras, pero se arrepintió y hubo que prepararle unos postizos que enroscó a su cabello, evitando de esta forma acabar con los auténticos, no obstante hubo que confeccionar un surtido de postizos para que una vez en Port Lligat decidiese la forma que definitivamente estos debían tener. A partir de ese momento la relación profesional se estrecha y los viajes del peluquero catalán a Port Lligat, se repiten con irregular frecuencia. Dalí confiaba en Llongueras, tanto que le permitía que en la mayoría de las ocasiones no fuera éste quien le cortase el pelo, sino algún empleado aventajado de la Peluquería, sin embargo con frecuencia se personaba en el Salón de Pau Casals, entreabría la puerta y desde la calle pedía a la recepcionista que llamase al Sr. Llongueras, obligándole a interrumpir su trabajo y acompañarle, ante las protestas airadas de las clientas, que el Pintor justificaba con un “Ya se harán cargo otros... ¡Vamos!” y tan sólo para acompañarle a callejear próximo a la Catedral y escuchar sus ocurrencias y comentarios del todo intrascendentes.
El Salón de Pau Casals era exclusivamente de señoras, de ahí la reserva que Dalí tenía para entrar en él en pleno trabajo, para arreglarse el pelo o probar sus extravagantes pelucas, siempre le citaba, durante sus estancias en el Hotel Ritz de Barcelona o posteriormente en el hotel Meurice de Paris.
La suite 108, con baño romano incluido, fue durante años el domicilio de Dalí en Barcelona. En el Ritz celebró ruedas de prensa, subió un caballo por las escalinatas y examinó, junto a Amanda Lear, a 20 efebos desnudos buscando al mejor modelo para pintar un San Sebastián. En el mismo Hotel apareció en un acto benéfico, que organizó Llongueras, con una capa y un cachorro de ocelote en brazos. A Dalí, le gustaba el pelo largo, en la medida que pudiese llevarse en cada momento, cortado recto de la parte trasera de la melena y nunca se tiñó las canas, como nunca dejó que nadie le tocase el bigote, que se recortaba personalmente, de forma que siempre estaba en la medida deseada, lo dirigía con agua y azúcar o jugo de dátiles maduros, el estilista recuerda que fue al primer hombre al que le puso rulos para poder darle forma al cabello, en alguna ocasión, a falta de inspiración el Pintor le pidió que le hiciera unas pelucas con el estilo de Velazquez, se las pondría mientras pintaba, pues verse con esa imagen “velazqueña” le inspiraba y le hacía pintar mejor, la idea de revestirse con pelucas al pintar o escribir le estimulaba.

A finales de los 70, Dalí, empezó a frecuentar el nuevo local “Nova Gent” para hombre y mujer de la calle Beethoven de Barcelona, su extravagancia premeditada o su inadaptación para determinadas situaciones cotidianas, le llevaba una y otra vez a utilizar de forma poco ortodoxa los lava cabezas con forma de teja, arrodillándose ante ellos y metiendo la cabeza en vez de sentarse y dejarla caer hacia atrás, como es habitual. Una y otra vez se reía de su ocurrencia repitiendo: “Sólo alguien como YO puede hacer una cosa así”

El Peluquero, le debe al Pintor, la audacia para enfrentarse al Proyecto de abrir salones por las mejores capitales de Europa, Asia y América, justificando de esta forma el hecho de que nunca le cobrara por sus servicios.
Al final de sus días, Dalí recibió a Llongueras. Este, consciente del deliberado aislamiento del Pintor tras la muerte de Gala y pensando que quizás no lo volvería a ver, se personó en Figueras para estar, suponía que por última vez junto un Genio, sin ganas de vivir, solamente el Rey, el alcalde de Barcelona y el President Pujol, habían conseguido despertar en Dalí el mínimo interés para concederles un poco de su tiempo.


Sentado en un sillón frente a una ventana que no daba a ninguna parte, triste, la piel blanquecina sin vida, la mirada perdida, llevaba un batín acolchado, el cabello larguísimo con las puntas amarillas, Dalí sólo balbuceaba al oído susurrando con monosílabos indescifrables, aguantó 25 minutos, durante los cuales Llongueras aprovecho para limpiar el color amarillento y descuidado de las puntas de los cabellos, al sacar las tijeras del bolsillo, la imagen moribunda de Dalí, gritó la única palabra entendible de toda la conversación: “Llarg”... (largo) un esfuerzo sublime del hombre que en sus últimas horas todavía le apasionaba la longitud de sus cabellos.
Oportunista, histriónico, genial, avaricioso, fetichista y egocéntrico. Así era Salvador Dalí. Uno de los artistas más cuestionados del siglo XX, dueño de una personalidad poliédrica, fue un personaje irritante para unos y fascinante para otros, e inclasificable para la mayoría.
Llongueras, conoció la muerte de Salvador Dalí, a media tarde del 23 de Enero de 1.989, recogido y emocionado en un rincón del Picolo Hotel de Ándalo en Italia.


Fuente y Fotos: "Mi Dalí particular" por Lluis Llongueras

15 de enero de 2009

...Héroes de cabecera (V) Antonio Tàpies

Antonio Tàpies, cumplió el pasado mes de Diciembre 85 años, de los cuales 50 se los ha pasado inclinándose sobre las telas situadas a ras de suelo (la única forma de estabilizar tanta materia) y el cuerpo le ha pasado factura, provocándole una enfermedad que con humor califica de laboral y que le obliga a llevar un bastón, pero la verdad es que aunque externamente parezca (sea) un anciano, su obra no sufre ningún achaque, al contrario, basta ver la potencia de sus materias, textos y colores.

Su humor, vitalidad y espíritu joven quedan reflejados en una serie de piezas plasmadas sobre maderas y telas de diferentes formatos realizadas el último año.

En el año 2007 rodeó su actividad de un hecho generoso y a la vez envuelto en cierto misterio al donar todo su legado personal al Instituto Cervantes que quedó custodiado en la “Caja de las Letras” concretamente en la caja nº 999, donde permanecerán bajo llave hasta el año 2.022


Antonio Tàpies, no pudo viajar por problemas de salud, así pues el acto se formalizó con la presencia de la directora del Instituto Cervantes, Carmen Caffarel quién acompañó al hijo del pintor, Miguel, director de la Fundación Tàpies en el momento de guardar el legado de su padre, cuyo contenido hará público al concluir el plazo pactado.

Tàpies, dibuja y dibuja acumulando álbumes con el material en el que va recogiendo ideas, pero asegura que en último término trabaja por instinto, “Sufro pintando porque dudo mucho siempre, pero no me explico las cosas intelectualmente sino que si la pintura suena bien, lo noto físicamente"
Tres años de Derecho en la Universidad de Barcelona fue todo lo que aguantó antes de dedicarse por completo a la pintura, autodidacta e inicialmente surrealista a finales de los ’50 dio un giro de timón hacia la abstracción con la inclusión de objetos cotidianos con cierto deterioro, que fueron la base de algunos de sus trabajos, utilizó arcilla y tierra en sus pinturas, luego papel, arpilleras y cuerda, personalizándola con trazos precisos y completándola con las letras y palabras mediante las cuales ha ido construyendo su universo más particular y característico, donde encontramos un cierto número de signos conocidos, señales y formas que coinciden con la mitología, formas en T, en X, en Y, signos como el + y el -, cuadrados y triángulos con un significado mítico y compositivo


          
                   

A través de su obra ha impuesto como valor total la materia, frente a la forma, que era el valor tradicional de toda la historia de la pintura. recupera el grueso empaste, tratado mediante trepas de malla que, una vez arrancadas, convierten las estructuras en llagas y heridas, efecto que se intensifica, a la vez, por el monocromatismo de los colores vivos.

El trabajo del pintor barcelonés ha sido siempre sensible a los acontecimientos sociopolíticos del momento, a finales de los años sesenta y principios de los setenta, su compromiso político contra la dictadura se intensifica, y las obras de este período tienen un marcado carácter de denuncia y protesta.

Mas tarde, a principios de los ochenta, una vez restaurada la Democracia en España, el interés de Tàpies por la tela como soporte adquiere una fuerza renovada y mantiene activo el campo de la obra gráfica.

En los museos entre otros de Madrid, Valencia, Barcelona, Bilbao, París, Cuenca o New York, la obra de Tàpies está presente y la reacción como espectador es una provocación a la reflexión, al detenimiento, a la búsqueda y el descubrimiento de lo sublime ante una realidad cotidiana banal y predeterminada, con la obra de Tàpies no valen los pensamientos previos, todo despunta de nuevo a partir de su mensaje, un mensaje expresado a través de un universo de signos.